Grafismo

Trabalho realizado por alunos do 7º ano do Ensino Fundamental.

Puff feito com garrafa pet.

Estes foram feitos por alunos do 7º ano do Ensino Fundamental.

Releitura feita somente com lápis de cor.

Mais releituras do 6º ano de Vincent van Gogh.

Releitura da obra "Vaso com quinze girassóis" de Vincent van Gogh feita por alunos do 6º ano do Ensino Fundamental.

Sorria...
Encante...
Brilhe muito...
Seja um girassol...
Siga iluminado e feliz...
Olhe sempre para o rei sol...
Seja girassol toda hora e todo dia...
Seja sempre positivo e espalhe otimismo...
Olhe para o alto, siga sempre em frente, contente...
Busque sempre a luz, o calor, a vida, a alegria e o amor...
Cada um risca e arrisca o seu caminho com o seu próprio giz:
Risque o teu caminho com as cores da paz e as do lindo arco-íris...
Você é uma estrela que nasceu flor para brilhar, encantar e ser feliz...
Liberte-se do passado e desligue-se da inútil ansiedade do porvir...
O sol renasce todo dia e com ele devemos renascer também...
Faça amor e não a guerra, desarme-se e construa a paz...
Deus deu a vida para que cada um cuide da sua...
Ajude, pratique o bem, mas cuide de você...
Evite sempre o pessimismo destrutivo...
Confie e fuja sempre do negativo...
Não julgue e nem condene...
Não seja uma quimera...
Viva sempre sorrindo...
Seja primavera...
Florindo...

Relações entre ciência, arte e educação: relevância e inovação

Tania C. Araújo-Jorge*

A presença da ciência e da tecnologia no dia-a-dia das pessoas é hoje amplamente reconhecida. Assuntos dos mais relevantes centram-se em temas científicos, como novas vacinas e terapias, alimentos transgênicos, biocombustíveis, clonagem genética, mudanças climáticas e outros. Decisões políticas importantes para a sociedade muitas vezes precisam ser tomadas com base em conhecimentos científicos diferenciados daqueles do senso comum. O desenvolvimento científico e tecnológico tornou-se um fator crucial para o bem-estar social a tal ponto que a Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco) utiliza desde 2000 um sistema de distinção entre os povos com base na capacidade de criar ou não o conhecimento científico. Em seus estudos sobre economia da pobreza, na Universidade Harvard, Jeffrey Sachs conclui que "ciência e tecnologia são hoje mais excludentes que o capital" e "o mundo de hoje é dividido não pela ideologia, mas pela tecnologia", destacando que ciência e tecnologia definem hoje o futuro de um povo, sua capacidade de inovar e de adaptar as tecnologias desenvolvidas em outros lugares.

Desenho de Leonardo da Vinci de 1510 retrata a anatomia do crânio

No entanto, apesar da crescente qualidade e quantidade da pesquisa cientifica brasileira, que já contribui com 1,7% da produção mundial de conhecimento, é sofrível o desempenho de jovens brasileiros em provas que medem habilidades cientificas e rendimento em matemática. Esse quadro evidencia uma enorme carência de formação de qualidade para professores de ciências, capazes de desenvolver nas atuais e nas próximas gerações de crianças e jovens um raciocínio crítico, com condutas questionadoras e propositivas voltadas para a solução dos problemas da vida diária. Advêm daí propostas governamentais de políticas de divulgação e educação científicas, que vêm sendo arduamente construídas para implementação urgente no país, envolvendo cientistas, educadores e outros atores sociais.

Artistas têm uma sensibilidade apurada para a percepção dos problemas da sociedade e comumente sintetizam e antecipam questões cruciais. No seu premiado disco Quanta, de 1995, Arnaldo Antunes e Gilberto Gil nos apresentam a música A ciência em si. Entre mensagens mágicas e encantadoras, os versos nos dizem: A ciência não se aprende, a ciência apreende a ciência em si/A ciência não se ensina, a ciência insemina a ciência em si/e A ciência não avança, a ciência alcança a ciência em si. Aqui está, a meu ver, um importante elo nas relações entre arte e ciência: a arte pode sensibilizar a percepção, via expansão de nossos sentidos, de nossos olhares, e nos facilitar o encontro de novas idéias e soluções. O cardiologista e músico Richard Bing defendia que "a ciência e a medicina são tanto uma busca de harmonia e beleza na natureza como o são a música e a arte. Ambas requerem uma invenção de novos conceitos e idéias, e novos caminhos de percepção. Ambas requerem a mesma sensibilidade emocional e física a padrões, ritmos, consistência, novidade, metáfora e analogia. Requerem um refinado uso dos sentidos em conjunção com a mente e as mãos".

Grandes cientistas, como Galileu Galilei e Leonardo da Vinci, transitaram pelas vias de conexão entre a ciência e a arte, ao desenvolver o conhecimento e o comunicar das mais diferentes formas. Deixaram legados inestimáveis à humanidade. Um estudo sobre 73 cientistas de grande sucesso, dentre os quais muitos laureados com o Prêmio Nobel, realizado pela equipe do cientista Robert Root-Bernstein, da Universidade de Michigan nos Estados Unidos, identificou um grande percentual de vocações artísticas, evidenciando 25 músicos e compositores, 29 pintores, escultores, gravadores, desenhistas, 17 poetas, novelistas e teatrólogos. Recolhendo, estudando e interpretando as histórias contadas por pensadores, artistas e cientistas eminentes, o estudo conclui que através da arte os cientistas encontram as ferramentas para tornar explícita a beleza, seja na arte, seja na ciência: "Um cientista, como um pintor ou poeta ou compositor, é um realizador e descobridor de padrões. Os padrões do cientista, como os do pintor, do poeta ou do compositor, devem ser belos; idéias, como as cores ou palavras ou notas, devem ficar juntas de modo harmônico. A beleza é o primeiro teste nas ciências e nas artes: não há lugar permanente para a ciência feia ou não inspirada". E defendem que os conjuntos de talentos para arte e ciência devam ser considerados complementares, a se reforçar mutuamente. Consideram que o que o cientista pode fazer depende não apenas do que ele sabe, mas de sua personalidade, suas crenças, suas habilidades e sua prática nos campos da arte.

Essa proposta não é assim tão nova, pois desde a época em que os primeiros portugueses chegaram ao Brasil Leonardo da Vinci já nos dizia, em seu livro sobre a metodologia das descobertas: "Para [ter] uma mente completa, estude a arte da ciência, estude a ciência da arte, aprenda a enxergar, perceba que tudo se conecta a tudo". Este é um referencial básico que justifica o esforço para introduzir formalmente ciência e arte na programação curricular de uma instituição científica que forme cientistas e educadores, reinserindo a ciência como elemento da cultura. É isso que procuramos fazer no Instituto Oswaldo Cruz: integrar na educação o exercício, o treino e a educação da imaginação criativa, aprofundando a idéia de Albert Einstein de que "a imaginação é mais importante do que o conhecimento".

Em meu laboratório, temos desenvolvido ciência e arte como uma linha de pesquisa em ensino e criatividade, e como estratégia pedagógica. Cientistas e artistas lidam com as inquietações da descoberta, as regras, com as heranças culturais e transformações do conhecimento ao longo dos anos. Reunimos cientistas e artistas no mesmo espaço de trabalho e debate e possibilitamos que desenvolvam seus estudos estabelecendo diálogos de modo constante. Ligada a todas as áreas de conhecimento e facilitadora para o trabalho interdisciplinar, a arte pode proporcionar a junção, a integração de transversalidade em todos os espaços de educação, seja informais, seja tradicionais como os espaços escolares. Assim, as atividades de pesquisadores e estudantes nessa linha pretendem sensibilizar e capacitar professores a realizar esse trabalho nas escolas, a ampliar seu repertório expressivo, seu alcance na sociedade através do teatro e de outras formas de expressão artística, nas quais o conhecimento estará sendo transmitido sob uma linguagem e um mundo visual diferenciados. Pretendemos tentar comprovar nossa hipótese de que é possível sensibilizar o professor para um ensino mais criativo e desenvolver estratégias que aumentem a criatividade na formação dos cientistas, praticando um ensino que estimule a imaginação.

O ser humano nunca viveu sem utilizar a arte como forma de expressão, uma indicação de que a linguagem da arte é a própria linguagem da humanidade. Por isso, e para isso, a arte precisa ser mais bem compreendida e valorizada na educação, em todos os níveis de ensino, desde o ensino fundamental, em toda e qualquer escola, até o ensino de pós-graduação, para a formação de docentes e cientistas com orientação holística. A arte pode se combinar com a ciência como parte de uma estratégia pedagógica explícita para a educação científica da população. Atividades de ciência e arte possibilitam o desenvolvimento de novas intuições e compreensões através da incorporação do processo artístico a outros processos investigativos. Ajudam a construir um discurso interno e público sobre a relação entre arte, ciência, atividades humanas e tópicos relacionados a atividades multidisciplinares e multiculturais. A arte precisa ser incluída na educação científica não apenas para tornar as coisas mais belas, apesar de freqüentemente isso acontecer, mas primariamente porque os artistas fazem descobertas sobre a natureza diferentes daquelas que fazem os cientistas, sejam eles físicos, biólogos, geólogos ou outros especialistas. Além disso, os artistas usam bases diferentes para tomar decisões enquanto criam suas obras - seus experimentos. Mas tanto artistas como cientistas nos ajudam a notar e a apreciar as coisas da natureza que aprendemos a ignorar, ou que nunca nos ensinaram a ver. Tanto a arte como a ciência são necessárias para o completo entendimento da natureza e de seus efeitos nas pessoas.

* Tania C. Araújo-Jorge é pesquisadora-titular e atual diretora do Instituto Oswaldo Cruz (IOC) da Fiocruz. O presente artigo foi originalmente publicado na revista do Sesc de São Paulo.

As relações entre História e Arte permitem outras formas de compreensão do homem.

As relações entre História e Arte permitem outras formas de compreensão do homem.

Ao longo do tempo, percebemos que a existência do homem não se limita à simples obtenção dos meios que garantem a sua sobrevivência material. Visitando uma expressiva gama de civilizações, percebemos que existem importantes manifestações humanas que tentaram falar de coisas que visivelmente extrapolam a satisfação de necessidades imediatas. Em geral, vemos por de trás desses eventos uma clara tentativa de expressar um modo de se encarar a vida e o mundo.

Paulatinamente, essa miríade de expressões passou a ser reconhecida como sendo “arte”. Para muitos, este conceito abraça toda e qualquer manifestação que pretenda ou permita nos revelar a forma do homem encarar o mundo que o cerca. Contudo, o lugar ocupado pela arte pode ser bastante difuso e nem sempre cumpre as mesmas funções para diferentes culturas. Não por acaso, sabemos que, entre alguns povos, o campo da expressão artística esteve atrelado a questões políticas ou religiosas.

Na opinião de alguns estudiosos desse assunto, o campo artístico nos revela os valores, costumes, crenças e modos de agir de um povo. Ao detectar um conjunto de evidências perceptíveis na obra, o intérprete da arte se esforça na tarefa de relacionar estes vestígios com algum traço do período em que foi concebida. A partir dessa ação, a arte passa a ser interpretada com um olhar histórico, que se empenha em decifrar aquilo que o artista disse através da obra.

Com isso, podemos concluir que a arte é um mero reflexo do tempo em que o artista vive? Esse tipo de conclusão é possível, mas não podemos acabar vendo a arte como uma manifestação presa aos valores de um tempo. Em outras palavras, é complicado simplesmente acreditar que a arte do século XVI tem somente a função de exprimir aquilo que a sociedade desse mesmo século pensava. Sem dúvida, o estudo histórico do campo artístico é bem mais amplo e complexo do que essa mera relação.

Estudando a História da Arte, o pesquisador ou estudante irá perceber que uma manifestação de clara evidência “artística” pode não ser encarada como tal pelo seu autor ou sociedade em que surge. Além disso, ao estabelecermos um olhar atento à obra de um único artista, podemos reconhecer que os seus trabalhos não só refletem o tempo em que viveu, mas também demonstram a sua relação particular, o diálogo singular que estabeleceu com seu tempo.

Atualmente, o olhar histórico sobre a arte vem sendo acrescido de outras questões bastante interessantes. A apropriação da obra pelo público, os meios de difusão do conteúdo artístico e o intercâmbio entre diferentes manifestações integram os novos caminhos que hoje englobam esse significativo campo de conhecimento. Sem dúvida, ao perceber tantas perspectivas, temos a garantia de que as possibilidades de se enxergar a arte ou uma única obra pode conceber variados sentidos.

Por Rainer Sousa
Graduado em História
Equipe Brasil Escola

Grécia e sua divina arte!

GRÉCIA – “O homem é a medida de todas as coisas” Protágoras.

Também chamada de Idade de Ouro, ou época de Péricles, pois defendeu a democracia e o livre pensar. A Grécia valorizava a dignidade e o valor do homem.

Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito, a arte grega liga-se à inteligência, pois os seus reis não eram deuses, mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. Contemplando a natureza, o artista se empolga pela vida e tenta, através da arte, exprimir suas manifestações. Na sua constante busca da perfeição, o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo, o equilíbrio, a harmonia ideal. Eles têm como características: o racionalismo; amor pela beleza; interesse pelo homem, essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”; e a democracia.

ARTE GREGA

A figura humana foi o principal motivo na arte grega, afinal eles valorizavam o homem, então a arte estava de acordo com o pensamento da época, como sempre. Enquanto a filosofia destacava o harmonia, ordem e clareza de pensamento, a arte e a arquitetura buscavam o equilíbrio e moderação. Filosofia humanista. Contribuições: DEMOCRACIA, INDIVIDUALISMO E RAZÃO.

Estilos:

1. Arte geométrica – vasos com faixas geométricas e frisos de animais e humanos simplificados.

2. Arte arcaica – kouros em pedra e pintura de vasos. Kouros – estátuas em posição frontal, pé esquerdo avançando, punhos fechados e “sorriso arcaico”.



3. Arte clássica – auge da arte e arquitetura. Figuras idealizadas com harmonia.

Vitória de Samotrácia

4. Helênica/Helenística – derivado do grego, difundiu-se em outras regiões, como a Ásia Menor. Um estilo mais melodramático.

PINTURAS – bons conhecedores da pintura, porém não veio até nós; não temos conhecimento de nenhum até hoje. Eram tão vívidas que afirmou-se certa vez que um passarinho veio bicar uma cesta de frutas pintada numa parede, de tão realista que era a pintura.

PINTURA EM CERÂMICA – contava a história dos deuses e heróis da mitologia grega ou narrava eventos como festas e guerras.

Além de servir para rituais religiosos, esses vasos eram usados para armazenar, entre outras coisas, água, vinho, azeite e mantimentos.

Evolução dos estilos:

1. Geométrico – figuras e ornamentos tinham formas basicamente geométricas.

Detalhe de um vaso grego de estilo geométrico,
mostrando as frisas características da arte grega.

2. Figura negra (Período Arcaico) – estilo com fundo avermelhado. Os artistas riscavam os detalhes do desenho com agulha. Depois, inverteu-se o esquema de cores.

3. Figura vermelha – o vermelho natural da argila delineava os desenhos. Detalhes pintados em preto. As figuras pela primeira vez são mais realistas.

ESCULTURA – introduziram o nu na arte. Na escultura, o antropomorfismo - esculturas de formas humanas - foi insuperável. As estátuas adquiriram, além do equilíbrio e perfeição das formas, o movimento. As proporções ideais das estátuas representavam a perfeição do corpo (desempenho atlético) e mente (debate intelectual).

Buscavam uma síntese dos 2 pólos do comportamento humano: paixão e razão. O mármore branco era embelezado com pintura encáustica – pintura de pigmento em pó e cera quente.

No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas, para isto, se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore, podendo fixar o movimento sem se quebrar. Surge o nu feminino, pois no período arcaico, as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas, por pudor. E o sexo masculino era considerado perfeito...

Vênus de Milo

Contraposto – princípio do apoio do peso. Foi uma inovação, pois o peso do corpo se apóia em uma das pernas e o corpo segue esse alinhamento, dando uma pequena ilusão de movimento e equilíbrio - eixo central do corpo.

Influenciou na Renascença, quando muitas obras clássicas foram redescobertas.

A escultura Davi, de Michelangelo, expressa bem a influência clássica, tanto no uso do contraposto, quanto da expressão e equilíbrio. Isso que era cerca de 1500 d.C..

E aqui abaixo, um artista que se inspirou em Davi, de Michelangelo- Rodin:

Idade do Bronze, de Rodin. Pelo título que ele deu à estátua podemos ver a ligação direta que ele quis fazer com a Grécia (vulga Idade do Ouro). A posição da estátua, admirando seus músculos, talvez fosse uma sátira à idealização do masculino e do ideal do belo grego de beleza.

ARQUITETURA – tratavam como grandes esculturas – com as normas de simetria e proporções ideais. Nos ritos públicos em frente aos templos, esculturas de deidades contavam as histórias. Cariátides – mulheres esculpidas que serviam como colunas. Atlantes: homens.

Tipos de colunas: dórica, jônica e coríntia.

- Ordem Dórica - era simples e maciça. O fuste da coluna era monolítico e grosso. O capitel era uma almofada de pedra. Nascida do sentir do povo grego, nela se expressa o pensamento. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas, a ordem dórica, por sua simplicidade e severidade, empresta uma idéia de solidez e imponência. Vemos a influência até hoje, como essa coluna em Washington:

- Ordem Jônica - representava a graça e o feminino. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata, mas sobre uma base decorada. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher.

- Ordem Coríntia - o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas, muito usado no lugar do capitel jônico, de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. Sugere luxo e ostentação.

Em Washington, novamente:

Os principais monumentos da arquitetura grega:

a) Templos, dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. Na Acrópole, também, se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária.

b) Teatros, que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena, para os atores; a konistra ou orquestra, para o coro; o koilon ou arquibancada, para os espectadores. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro, construído, no séc. IV a.C., ao ar livre, composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. Chegava a acomodar cerca de 14.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita.

Teatro de Epidauro

c) Ginásios, edifícios destinados à cultura física.

d) Praça - Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos, entre eles; filosofia.

As olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia, cada 4 anos, em honra a Zeus. Os primeiros jogos começaram em 776 a.C. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo.

Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia.

Referências bibliográficas:

STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré-história ao pós-moderno. Rio de Janeiro: Ediouro, 2003.

UGOLOTTI, B. M. Enciclopédia da civilização e da arte: arte antiga. I volume. São Paulo: Martins, 2000.

http://www.historiadaarte.com.br/linha_do_tempo.htm

http://www.coladaweb.com/artes/artegrecia.htm

OsGemeos no ig jovem!

Para OsGemeos, falta o básico nas metrópoles: "grafite é superficial"

Dupla de grafiteiros fala ao iG Jovem sobre problemas sociais, início de carreira e o universo paralelo que criaram em muros e telas

Renan Silva, iG São Paulo

Nas paisagens de Tritrez, o universo paralelo criado pelos irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo (conhecidos como a dupla de grafiteiros OsGemeos), a crítica ao poder sempre esteve presente. Mesmo que de forma indireta, irônica. E, em época de eleições, essa crítica fica mais aguçada do que nunca – como dá para ver na galeria de fotos ao lado. “O mínimo que a população deveria ter [nas cidades] é segurança, educação, saneamento”, afirmam. “Grafite é superficial nesse cenário”.

No ateliê da dupla: "Não focamos nosso trabalho só no grafite", contam

O iG Jovem bateu um papo exclusivo com a dupla, que hoje transcendeu o grafite e é um dos principais nomes da arte contemporânea brasileira. Eles falaram sobre pedir latas de tinta no começo da carreira, sobre a exposição íntima que é fazer arte em muros e sobre uma recente batida de cabeça entre arte e eleições. Confira.

iG Jovem: Vocês viram que a organização da Bienal de São Paulo teve de cobrir uma obra do argentino Roberto Jacoby que retrata Dilma e Serra? (O TSE considerou que ela fazia política em espaço público, o que é proibido. A obra ficará coberta até o final da mostra, em 12 de dezembro)
OsGêmeos: É que aqui (o Brasil) é muito careta. Imagina, numa Bienal de Arte, você ter que tirar a arte de lá?! Tirar o ca*****.

iG Jovem: Se pudessem escolher um monumento ou lugar para grafitar, qual seria?
OsGemeos: A toda hora e em todo lugar a gente enxerga um mundo diferente. Achamos que a cidade inteira deveria respirar arte. Tudo deveria ser diferente. Mas há muitas outras coisas importantes para mudar nas metrópoles, além da necessidade de fazer um grafite num lugar marcante. Você sabe como são as cidades grandes. O mínimo que a população deveria ter é segurança, educação, saneamento. O básico. Grafite é superficial nesse cenário. Estamos decorando a cidade. É pouco. O legal é não ficar quieto, não estar conformado.

iG Jovem: Comparado com a época em que vocês estavam começando, dá para dizer que hoje é mais fácil conquistar notoriedade na street art?
OsGemeos: Hoje é super rápido e global. A internet facilita. A gente demorou 10, 15 anos para começar a vingar. Claro, tem um lado bom nisso, mas vemos que é preciso tomar um pouco de cuidado com essa facilidade. E não é uma questão de banalizar a arte. É de você não se enganar. Não se iludir. Porque a arte é séria em todos os gêneros. Você está se comunicando, se expondo. É você ali. Sua alma. E as pessoas estão vendo o que você está fazendo. Observando a sua essência materializada. E isso tem certo poder. O poder de influenciar outras pessoas. Fazer alguém se divertir, se emocionar.

iG Jovem: Mas a exposição através da internet está criando essa certa ilusão?
OsGemeos: Não, não achamos que seja assim. É pessoal mesmo. Você com você mesmo. É muito fácil você criar um personagem e fazer dele algo famoso. Vai do que você quer. Mas, se o objetivo é se encontrar através da arte, nós vemos que requer muito tempo de estudo e dedicação. No nosso caso, nós não fomos atrás da satisfação do ego, e sim da satisfação através do desenho.

Fama não motiva: "A arte é um alimento espiritual, uma necessidade"

iG Jovem: Depois de todo o reconhecimento internacional, dá para dizer que vocês são os expoentes da arte contemporânea no Brasil? Vocês se enxergam assim?
OsGemeos: Longe disso. A gente encontrou na arte um jeito de poder se sentir bem, realizar o que sempre imaginou. Desde criança a gente pensa o que a gente pinta. As coisas aconteceram naturalmente. Não visualizávamos ser grafiteiros para poder fazer uma exposição e viajar.

iG Jovem: Como era no começo?
OsGemeos: A gente colecionava a arte. Íamos às bibliotecas, achávamos um livro, uma figura, um grafite, aí a gente arrancava a página e levava para casa para admirar. Era tudo meio difícil. Aconteciam uns encontros de hip hop na Praça São Bento (em São Paulo) e nós frenquentávamos para dançar break, cantar rap. Na época quem grafitava era a geração ‘Tupinãodá’, com o Rui Amaral, o Zé Carratu e outros. Só que buscávamos outro estilo de grafite. Aos fins de semana, saíamos pela cidade fazendo murais junto com o Speto, Vitché, Binho e Tinho. E ao contrário da maioria, que pintava de noite porque tinha uma discriminação, a gente se aventurou e foi pintar de dia. Aí a polícia parava e perguntava: ‘Tem permissão?’ E a gente: ‘Claro’. Pô! Tínhamos nada. E foi legal porque criou uma autenticidade.

iG Jovem: Mas e as tintas? De onde vinham?
OsGemeos: Saíamos pedindo. Pedíamos para os funileiros. Também sempre moramos num bairro que possui muitas gráficas e os caras davam o que podiam para a gente. Resto de tinta, lata de spray. Aí passávamos no supermercado para pegar bico de desodorante e colocar no spray para poder ter um traço diferente. Era tudo na improvisação. Não é que nem hoje. Você vai numa loja de pintura e encontra uma variedade de produtos para poder fazer o seu grafite.

iG Jovem: Nesse contexto, qual a dica que vocês dão para quem está começando na arte?
OsGemeos: Poxa, é muito pessoal. Vai de cada um. Acreditamos que a arte é um instrumento que pode ser uma fuga, um alimento espiritual, uma necessidade. E não importa se é grafite, música, circo, dança, teatro. Ou se é contemporâneo, ou afro. O lance é você ter um motivo de estar fazendo isso. Não é uma coisa ‘Pô, se ele deu certo, eu também quero dar’. No nosso caso, precisamos da arte para poder falar com as pessoas. Ter dado certo foi uma consequência. Se tivermos que falar algo é para as pessoas correrem atrás dos seus sonhos.

"Sempre criamos, desde criança, em caixas de papelão, madeira da feira..."

iG Jovem: Como é o desafio de sair dos muros para as obras e as telas?
OsGemeos: É simples. Não focamos nosso trabalho só no grafite. Viemos daí, mas nunca fomos só grafite. Sempre tivemos um leque e canalizamos. Sempre criamos, desde criança, em caixas de papelão, caixas de madeira da feira, com papel machê. Sempre quisemos experimentar outras formas de expressão. Vídeo e animação também. O tridimensional completa o que a gente quer transmitir no nosso trabalho. Facilita um pouco mais para quem aprecia e quer entender esse hiato que passa na nossa cabeça. Nossa percepção de tudo.

iG Jovem: Depois de Tritrez [o universo paralelo criado pelos irmãos], ainda há espaço para outro mundo da cabeça OsGemeos?
OsGemeos: Não, é esse. É uma coisa mais espiritual nossa. Existe, claro, outros universos que a gente quer conhecer, quer explorar. Mas esse é a nossa base, nossa essência, de onde vêm as nossas criações. Esse é o nosso universo paralelo.

Garrafa Pet e suas utilidades.

PUFE (ou PUFF) DE GARRAFA PET

À grosso modo, um pufe feito com garrafas PET é simplesmente um aglomerado de garrafas encaixadas, unidas por fita e com uma cobertura bonitinha pra dar uma disfarçada. Parece ser bem simples a confecção de um. O material é basicamente: garrafas PET (óbvio); fita durex larga; papelão grosso; cola de sapateiro; uma espuminha pra aliviar a retaguarda; um tecido para cobrir.

Veja um artigo com tutorial passo-a-passo e um video ensinando como fazer um pufe com PET.

CADEIRA DE GARRAFA PET

O primeiro passo para se fazer uma cadeira com garrafas PET, é fazer um pufe . Se o formato for quadrado, mais fácil ainda encaixar um recosto e prendê-lo junto ao assento. No site da Rede EcoBlogs, tem um tutorial ilustrado ensinando direitinho como fazer uma. Além da fita, eles pedem barbante e chave de fenda, para construir o móvel. Basicamente um pufe com recosto.

Veja o artigo com tutorial passo-a-passo de como fazer uma cadeira com PET.

SOFÁ DE GARRAFA PET

Agora vem o desafio! Você já aprendeu a fazer um pufe, que se mostrou ser um passo necessário para criar uma cadeira e agora imagine que essa cadeira tem um assento grande o suficiente para duas pessoas sentarem e um recosto confortável e seguro o suficiente para possamos sentar e deitar para ver TV. Esse é o nosso sofá feito com PET. A professora Graça, de Navegantes (SC), já fez e deixou fotos para provar o feito em seu site. Não achei tutorial, mas se você for esperto, consegue fácil fazer um molde da cadeira .

Fotos do sofá feito com PET, pela professora Graça de Navegantes.

E você? Tem alguma dica, um tutorial, uma cartilha que ensine passo-a-passo a fazer um desses ou algum outro móvel com material reciclado? Envie pra mim, que eu terei o maior prazer de disponibilizar aqui no blog.

http://tecnocracia.com.br/652/como-fazer-pufe-cadeira-e-sofa-de-garrafas-pet/